Oscar Wilde

Oscar Wilde (1854–1900) fue un poeta, dramaturgo, novelista y ensayista irlandés cuya brillantez como escritor solo fue igualada por el espectacular drama de su vida personal — una vida que pasó de las deslumbrantes alturas de la celebridad londinense a una celda de prisión y al exilio con una velocidad que dio a su historia la forma de una tragedia griega. En el espacio de cinco años a comienzos de la década de 1890, produjo las obras de teatro que lo convirtieron en el dramaturgo más célebre del mundo de habla inglesa, la novela que se convirtió en una de las obras definitorias del movimiento estético, y los cuentos de hadas y ensayos críticos que demostraron su genio en múltiples géneros. Luego, en 1895, un único y catastrófico error de cálculo derrumbó todo, y el mayor ingenioso de su época terminó sus días solo y empobrecido en un hotel de París.

Nació en un hogar de excepcional energía intelectual en Dublín, recibió la más alta educación en el Trinity College de Dublín y luego en Oxford, y llegó a Londres a finales de la década de 1870 armado con los dones conversacionales más formidables de su generación y un programa para el arte y la vida — el esteticismo — que desafiaba desde la raíz los supuestos utilitarios de la cultura victoriana. Su célebre dictum de que la vida debería imitar al arte y no al revés, su insistencia en que la belleza era su propia justificación, su cultivo de la pose y la paradoja como instrumentos de provocación filosófica — todo esto no era meramente afectación personal sino elementos de una posición intelectual coherente que bebía del pensamiento de John Ruskin, Walter Pater y los simbolistas franceses, transformando sus ideas en algo que era claramente suyo.

Las obras de teatro que Wilde escribió entre 1891 y 1895 — El abanico de Lady Windermere, Una mujer sin importancia, Un marido ideal y La importancia de llamarse Ernesto — transformaron el teatro inglés. Combinaban el ingenio de la comedia de la Restauración con la observación social de la pieza bien construida en una forma del todo original: comedias de costumbres cuya superficie brillante ocultaba un comentario más oscuro sobre las hipocresías de la sociedad victoriana. La importancia de llamarse Ernesto en particular, que se estrenó en febrero de 1895 apenas unas semanas antes del desastre que destruiría su carrera, es una de las mayores comedias de la lengua inglesa — una obra tan perfectamente construida y tan inagotablemente graciosa que su ingenio ha sobrevivido el siglo y cuarto transcurrido desde su estreno sin mengua alguna.

Su caída llegó con terrible velocidad. El marqués de Queensberry, padre del amante de Wilde, Lord Alfred Douglas, dejó una tarjeta de visita en el club de Wilde acusándolo de sodomita. En contra del consejo de todos sus amigos, Wilde interpuso una demanda por difamación criminal — un error de cálculo catastrófico que permitió a los abogados de Queensberry reunir las pruebas que serían utilizadas contra Wilde en el proceso penal que siguió. Declarado culpable de grave indecencia en mayo de 1895, Wilde fue condenado a dos años de trabajos forzados, que cumplió en las prisiones de Pentonville y Reading. Salió en 1897 como un hombre destrozado, con la salud arruinada, la fortuna perdida, el matrimonio terminado y la carrera literaria prácticamente acabada.

Los años de exilio que siguieron — transcurridos en su mayor parte en París bajo el nombre supuesto de Sebastian Melmoth — produjeron dos obras finales de poder perdurable: la larga carta confesional a Lord Alfred Douglas conocida como De Profundis, escrita en prisión, y La balada de la cárcel de Reading (1898), un poema sobre un hombre ahorcado en Reading durante el encarcelamiento de Wilde que se erige como una de las expresiones más poderosas del sufrimiento y la compasión en la literatura del período. Murió en París el 30 de noviembre de 1900, a la edad de cuarenta y seis años, y se dice que afirmó de su desvencijado cuarto de hotel: "O ese papel tapiz se va, o me voy yo." Fuera el mot genuino o apócrifo, es perfectamente wildesco — ingenio desplegado en el umbral de la muerte.

Primeros años y educación: Dublín y Oxford

Oscar Fingal O'Flahertie Wills Wilde nació el 16 de octubre de 1854 en el número 21 de Westland Row en Dublín, el segundo hijo de dos de las figuras más notables de la vida intelectual y profesional irlandesa. Su padre, Sir William Wilde, era un distinguido oftalmólogo y cirujano auricular — el especialista líder en su campo en Irlanda, fundador del primer hospital de oídos y ojos en las Islas Británicas, y prolífico autor de textos médicos, estudios arqueológicos y colecciones de folclore y antigüedades irlandesas. Su madre, Jane Francesca Elgee, que escribía bajo el seudónimo Speranza, era una de las poetisas y periodistas nacionalistas más prominentes de Irlanda — una mujer de convicciones políticas apasionadas, enorme presencia física y una personalidad que no admitía contradicción alguna y no reconocía límite a su propia importancia.

El hogar en el que Wilde creció combinaba la eminencia médica con la ambición literaria, el nacionalismo irlandés con la aspiración social angloirlandesa, y la seria erudición de su padre con la teatral autopresentación de su madre. Los salones de los sábados por la tarde de Speranza eran reuniones intelectuales que atraían a las figuras más destacadas de la vida dublinesa, y Wilde absorbió de ellos la comprensión de que la conversación era una forma de actuación y que la vida social era una especie de arte — convicciones que darían forma a todo lo que haría después.

Se educó primero en la Portora Royal School de Enniskillen, donde ganó la Medalla de Oro de Griego y demostró los dotes intelectuales que le ganarían una beca para el Trinity College de Dublín en 1871. En Trinity, bajo la tutela del gran erudito clásico J.P. Mahaffy — quien reconoció de inmediato los talentos de Wilde y se convirtió en un mentor que lo llevaría a Grecia en un formativo viaje — Wilde ganó la Medalla de Oro Berkeley de Griego, el más alto honor que el colegio podía otorgar en estudios clásicos. Su tiempo en Trinity le proporcionó un profundo conocimiento de la literatura y la filosofía griegas, un dominio de las lenguas clásicas que desplegaría a lo largo de su carrera literaria, y una comprensión de la tradición estética griega — su celebración de la belleza, su integración del arte y la vida — que se convirtió en uno de los fundamentos de su filosofía estética.

En 1874, Wilde ganó una beca para el Magdalen College de Oxford, donde pasó cuatro años que lo transformaron de un brillante estudiante becado irlandés en el provocador estético plenamente formado que Londres encontraría a finales de la década de 1870. Oxford bajo la influencia de John Ruskin y Walter Pater era el epicentro del movimiento estético en Inglaterra, y Wilde estuvo expuesto a ambas figuras principales. Ayudó a Ruskin en su proyecto de construcción de caminos — un ejercicio de dignificación del trabajo manual que Ruskin imponía a los estudiantes universitarios como lección ética — mientras absorbía la doctrina más puramente estética de Pater: la célebre exhortación, en la conclusión de El Renacimiento, a mantener una "llama dura y semejante a una gema" de intensidad en la apreciación de la belleza por sí misma.

Wilde se graduó con matrícula doble en Humanidades — un honor formidablemente difícil — en 1878, el mismo año en que ganó el Premio Newdigate de poesía con su poema Ravenna. Había llegado a Oxford como un estudiante talentoso; lo dejó como alguien cuya formación intelectual estaba completa y cuyo programa de vida ya era claro. Sería poeta, esteta, conversador, una presencia social de extraordinario magnetismo. Rehacería la idea que Londres tenía de lo que un artista y un intelectual podían ser.

El movimiento estético y los primeros años de la carrera londinense

Cuando Wilde llegó a Londres a finales de la década de 1870, el movimiento estético — la convicción de que el arte existía por sí mismo y no para la instrucción moral, el mejoramiento social, o cualquier propósito más allá de la creación de belleza — era a la vez una posición intelectual seria y una pose de moda, y Wilde habitaba ambas dimensiones simultáneamente. Se hizo famoso en Londres antes de haber publicado nada de sustancia, principalmente por la fuerza de su personalidad, su brillantez conversacional y su deliberada construcción de una persona pública que encarnaba los principios estéticos en los detalles de la vida cotidiana: los pantalones de terciopelo hasta la rodilla, el lirio y el girasol como símbolos decorativos, la irónica languidez que se negaba a tomar nada en serio excepto la belleza.

La ópera cómica Patience (1881) de Gilbert y Sullivan, que satirizaba el movimiento estético a través del personaje del "poeta carnal" Bunthorne, era en parte una caricatura de Wilde (y en parte del poeta Algernon Swinburne). Lejos de sentirse avergonzado por la sátira, Wilde la abrazó como una forma de celebridad, y cuando el empresario teatral estadounidense Richard D'Oyly Carte organizó una gira de conferencias por América para Patience en 1882, dispuso que Wilde precediera la gira como una especie de anuncio viviente de la filosofía estética que la ópera se burlaba. Wilde llegó a Nueva York en enero de 1882 y declaró a los funcionarios de aduanas que no tenía nada que declarar excepto su genio — una observación que era genuina o perfectamente calculada, y en cualquier caso perfectamente wildesca.

La gira de conferencias por América de 1882 llevó a Wilde por Estados Unidos y Canadá, donde habló sobre el movimiento estético ante audiencias que iban desde profesores de Harvard hasta mineros de Colorado. Fue recibido con una mezcla de fascinación y burla que manejó con practicada facilidad, convirtiendo la burla en su ventaja respondiendo con mejores chistes que sus críticos. Sus conferencias — "El Renacimiento inglés del arte", "Las artes decorativas", "La casa hermosa" — eran exposiciones sustanciales de principios estéticos tomados de Ruskin y Pater y aplicados a la cuestión práctica de cómo vivir bellamente en la era industrial. También eran actuaciones, y Wilde ya comprendía que la personalidad del conferenciante era en sí misma parte del mensaje.

Regresó a Inglaterra como figura de considerable celebridad, aunque su producción literaria seguía siendo modesta — el volumen Poems de 1881 había sido recibido con admiración matizada y burla significativa — y sus finanzas eran precarias. Se mantuvo mediante el periodismo y las conferencias mientras trabajaba hacia los proyectos literarios que finalmente harían su nombre. Editó la revista Woman's World desde 1887 hasta 1889, contribuyendo al desarrollo de un periodismo femenino más serio e intelectualmente comprometido, y publicó los ensayos y cuentos de hadas que comenzaron a establecer su reputación literaria.

Matrimonio, familia y el avance literario

En 1884, Wilde se casó con Constance Lloyd, hija de un próspero abogado angloirlandés, a quien había conocido en una fiesta londinense y cortejado con ardor característico. El matrimonio fue, según todos los testimonios, genuinamente afectuoso en sus primeros años. Constance era una mujer inteligente y de principios que compartía algunos de los intereses estéticos de Wilde y que proporcionaba la estabilidad doméstica que su vida poco convencional requería. Se instalaron en el número 16 de Tite Street en Chelsea — una casa decorada según principios estéticos por el arquitecto E.W. Godwin — y tuvieron dos hijos: Cyril, nacido en 1885, y Vyvyan, nacido en 1886.

Wilde fue, en los primeros años de su matrimonio, un padre dedicado aunque poco convencional. Escribía cuentos de hadas para sus hijos — las bellas y melancólicas historias reunidas en El príncipe feliz y otros cuentos (1888) y Una casa de granadas (1891) — que se encuentran entre las obras más logradas del género, combinando la superficie de la narrativa infantil con una profundidad de sentimiento sobre el sacrificio, la belleza y el sufrimiento que trasciende al público juvenil. El príncipe feliz, en el que una estatua dorada se despoja de su oro y sus joyas para aliviar la pobreza de los habitantes de la ciudad, y El gigante egoísta, en el que la negativa de un gigante a compartir su jardín trae un invierno eterno hasta que la bondad de un niño lo transforma, son obras de genuina calidad literaria que han sobrevivido como clásicos de su forma.

El período de creatividad literaria que siguió a su matrimonio fue asombroso en su productividad y alcance. Los ensayos reunidos en Intenciones (1891) — entre ellos "La decadencia de la mentira", "El crítico como artista" y "La verdad de las máscaras" — representan su contribución más sostenida y original a la teoría estética, argumentando con brillante ingenio paradójico a favor de posiciones que anticipan mucho de lo que teóricos posteriores llamarían posmodernismo: que la mentira y la ficción son más verídicas que los hechos, que la crítica es en sí misma un arte creativo superior al arte que critica, que el yo es una construcción y no algo dado. El retrato de Dorian Gray, serializado en la Lippincott's Monthly Magazine en 1890 y publicado en forma ampliada en 1891, fue su única novela — un cuento gótico sobre la belleza, la corrupción y el pacto fáustico con el tiempo que sigue siendo una de las obras más comentadas y más leídas del período victoriano.

El retrato de Dorian Gray

El retrato de Dorian Gray es simultáneamente la declaración literaria más personal de Wilde y una obra de considerable entretenimiento popular — una novela gótica sobre un hermoso joven que formula un deseo que hace que un retrato envejezca y se deteriore en su lugar mientras él mismo permanece eternamente joven, de modo que todas las consecuencias morales de su vida cada vez más depravada quedan registradas en el cuadro mientras su rostro permanece sin mácula.

Los orígenes de la novela se encuentran en la preocupación central del movimiento estético por la relación entre belleza, arte y moralidad. El artista Basil Hallward, que pinta el retrato de Dorian, representa la visión convencional de que el arte debe tener una dimensión moral y que el artista está implicado en el estatus moral de su tema. Lord Henry Wotton, el ingenioso aristócrata que corrompe a Dorian con su filosofía de puro hedonismo, representa un esteticismo extremo que el propio Wilde creía a medias y a medias temía: la posición de que la belleza es el único bien y que la experiencia — toda experiencia, por moralmente cuestionable que sea — debería perseguirse por sí misma. El propio Dorian, el hermoso joven cuyo deseo le otorga la libertad de las consecuencias morales que Lord Henry preconiza, es el sujeto experimental en el que se pone a prueba la filosofía estética.

El resultado es una obra de extraordinaria perspicacia psicológica: un retrato de la corrupción que es más iluminador que la mayoría de las novelas victorianas explícitamente morales precisamente porque Wilde rechaza los fáciles consuelos de la instrucción moral. La degradación de Dorian se presenta con una mezcla de horror y fascinación que refleja la propia ambivalencia de Wilde respecto a la filosofía que él había ayudado a popularizar. La novela fue atacada a su publicación por ser corruptora e inmoral; Wilde la defendió con característico ingenio, argumentando en su prólogo que no existe tal cosa como un libro moral o inmoral, sino solo uno bien o mal escrito.

La versión de la novela en Lippincott's, publicada en julio de 1890, era considerablemente más breve y más explícita en sus alusiones a la atracción entre personas del mismo sexo que la versión del libro publicado en 1891. Wilde añadió seis capítulos, suavizó algunos de los pasajes más provocadores y añadió el célebre prólogo — una serie de declaraciones aforísticas de principio estético — que se convirtió en uno de los documentos más citados del movimiento estético. Ambas versiones de la novela son documentos importantes: el texto de Lippincott's por su relativa franqueza, el texto de 1891 por su arquitectura artística más plenamente desarrollada.

Las obras de teatro: los triunfos de los primeros años de la década de 1890

Las obras de teatro que Wilde escribió entre 1891 y 1895 representan su mayor logro literario y su contribución más duradera a la cultura inglesa. Transformaron la comedia de costumbres — un género cuya encarnación inglesa había estado dormida desde la Restauración — en un vehículo de comentario social que era simultáneamente brillantemente gracioso y profundamente serio respecto a las hipocresías que exponía.

El abanico de Lady Windermere, que se estrenó en el St. James's Theatre en febrero de 1892 y tuvo 156 representaciones, estableció de golpe la reputación teatral de Wilde. Es una pieza bien construida sobre una joven que casi destruye su matrimonio y descubre un secreto sobre sus orígenes, pero lo que la hace distintiva es el ingenio que satura cada escena y la complejidad moral que subyace a la aparente prolijidad de su resolución. El personaje más memorable de la obra, la señora Erlynne — la mujer con un pasado que sacrifica su oportunidad de respetabilidad para salvar a su hija de un destino similar — es una de las grandes creaciones de Wilde: una figura cuya aparente amoralidad oculta una genuina profundidad moral.

Una mujer sin importancia (1893) y Un marido ideal (1895) continuaron en la misma vena — brillantes comedias ingeniosas cuyos argumentos giraban en torno a secretos, chantajes y la exposición de la hipocresía masculina — mientras demostraban la creciente comprensión de Wilde de lo que la comedia de costumbres podía hacer. El blanco de ambas obras es el doble rasero con el que la sociedad victoriana juzgaba a hombres y mujeres: al hombre con un pasado se le perdonaba y rehabilitaba mientras que a la mujer con un pasado se la arruinaba. Las obras de Wilde perforan consistentemente esta hipocresía a través de personajes cuyo ingenio es inseparable de su inteligencia moral.

La importancia de llamarse Ernesto, que se estrenó en el St. James's Theatre el 14 de febrero de 1895, es ampliamente considerada la obra maestra de Wilde y una de las obras más graciosas de la lengua inglesa. Abandona la dimensión del problema social de las obras anteriores en favor de la comedia farsesca pura: dos jóvenes de la sociedad londinense mantienen alter egos para escapar de sus obligaciones sociales, adoptando ambos el nombre de Ernest, y la obra traza las complicaciones que resultan cuando sus engaños colisionan. El ingenio se sostiene a lo largo de la obra a un nivel que ningún dramaturgo posterior ha igualado del todo — Wilde afirmaba que podía escribir cualquier discurso en cinco minutos pero que pensaba durante meses en la arquitectura de una obra — y los personajes, especialmente Lady Bracknell, han pasado a formar parte del mobiliario permanente de la cultura literaria inglesa.

Salomé y la visión más oscura

No todo el trabajo teatral de Wilde fue comedia. Salomé, que escribió en francés en 1891 y que fue traducida al inglés por su amante Lord Alfred Douglas, es un drama bíblico en un acto de intensa y decadente sensualidad que representa una dimensión muy diferente de la personalidad literaria de Wilde.

La obra retoma la historia bíblica de la danza de Salomé ante Herodes y su demanda de la cabeza de Juan el Bautista — una historia que había fascinado a los simbolistas franceses, en particular a Flaubert y Mallarmé — con una intensidad psicológica que la transforma en un estudio de la obsesión erótica, el poder y la muerte. Salomé desea a Juan el Bautista (Iokanaan), quien la rechaza; su danza no es meramente el cumplimiento de un capricho sino un acto de venganza contra el hombre que no quiere reconocerla. Cuando recibe su cabeza cortada, besa sus labios en un acto final de triunfo que es a la vez grotesco y, en la presentación de Wilde, aterradoramente comprensible.

El Lord Chamberlain se negó a autorizar la representación de Salomé en Inglaterra con el argumento de que retrataba a personajes bíblicos — una prohibición que se aplicaba a todas esas representaciones teatrales. La obra fue finalmente publicada, con las célebres ilustraciones de Aubrey Beardsley, en 1894 y recibió su primera representación profesional en París en 1896, después de que Wilde hubiera sido encarcelado. Se convirtió en la base de la ópera homónima de Richard Strauss (1905), que la introdujo en el repertorio operístico internacional y le dio la vida teatral póstuma que le había sido negada en Inglaterra.

La relación con Lord Alfred Douglas y los juicios de 1895

En 1891, Wilde fue presentado a Lord Alfred Douglas — conocido como Bosie — un joven poeta apuesto, talentoso y temperamentalmente volátil que era el tercer hijo del marqués de Queensberry. La relación que se desarrolló entre ellos fue el hecho central de la última década de la vida de Wilde, la fuente tanto de su mayor felicidad como de su total destrucción.

Douglas tenía veintiún años y Wilde treinta y seis cuando se conocieron. La atracción fue inmediata y mutua, y la relación que siguió fue apasionada, turbulenta y marcada por un patrón de disputa, separación y reconciliación que el más experimentado Wilde debería haber reconocido como peligroso. Douglas era brillante, hermoso y enteramente egocéntrico — un hombre cuyo encanto era inseparable de su capacidad para la crueldad emocional, y cuya relación con su padre, el brutal e impredecible marqués de Queensberry, estaba caracterizada por un odio mutuo que eventualmente consumiría a Wilde como daño colateral.

El marqués de Queensberry era un hombre de considerable valor físico — había patrocinado las Reglas de Queensberry que transformaron el boxeo — y de ningún refinamiento intelectual. Se oponía violentamente a la relación de su hijo con Wilde, a quien consideraba un corruptor de la juventud, y persiguió su campaña contra ellos con incansable energía. En febrero de 1895, justo cuando La importancia de llamarse Ernesto abría ante reseñas triunfales, Queensberry dejó una tarjeta de visita en el Albemarle Club de Wilde dirigida a "Oscar Wilde, posando de sodomita [sic]" — una provocación deliberada diseñada para forzar un enfrentamiento.

En contra del consejo de sus amigos más cercanos, entre ellos Frank Harris y Robert Ross, Wilde demandó a Queensberry por difamación criminal. Fue un error de cálculo catastrófico. Un proceso exitoso de difamación requería que Wilde demostrara que la acusación de Queensberry era falsa, lo que significaba que los abogados de Queensberry podían someter la vida privada de Wilde a juicio público. Reunieron pruebas de prostitutos masculinos que habían conocido a Wilde, del personal de hotel que había sido testigo de sus encuentros con jóvenes, y de otras fuentes que establecieron, a satisfacción del jurado, que la acusación de Queensberry era sustancialmente cierta.

Wilde retiró la acusación y fue inmediatamente arrestado bajo cargos de grave indecencia. Siguieron dos juicios penales — el primero terminando en un jurado dividido, el segundo en condena — y el 25 de mayo de 1895, Wilde fue sentenciado a dos años de prisión con trabajos forzados.

Prisión, exilio y los años finales

Los dos años que Wilde pasó en las prisiones de Pentonville y Reading fueron devastadores para su salud física y psicológica. Las condiciones carcelarias en la década de 1890 eran duras: los presos eran sometidos a trabajos forzados (la rueda de andar y la manivela), alimentación mínima, silencio forzado y la degradación sistemática de la persona que la disciplina carcelaria victoriana estaba diseñada para producir. La salud de Wilde, nunca robusta, se deterioró rápidamente, y su oído fue dañado por una caída en la capilla de la prisión.

El producto literario más significativo de los años de prisión fue De Profundis — una larga carta, escrita en los últimos meses de su encarcelamiento en 1897, dirigida a Lord Alfred Douglas. Es uno de los documentos más notables de la literatura del sufrimiento: en parte carta de amor, en parte acusación, en parte meditación espiritual. Wilde traza la historia de su relación con Douglas, anatomiza el egoísmo y la crueldad emocional de Douglas con una precisión que claramente pretendía ser reproche además de análisis, y luego avanza hacia una reflexión más amplia sobre el sufrimiento, el dolor y las dimensiones espirituales de la experiencia que se nutre de su lectura de los Evangelios, los místicos medievales y su largo compromiso con el esteticismo.

La dimensión espiritual de la carta es su aspecto más sorprendente y más conmovedor. Wilde llegó a una posición que no era ni ortodoxia cristiana ni hedonismo estético sino algo nuevo: una comprensión del sufrimiento como en sí mismo una forma de experiencia que podía ser la base de una nueva relación con la vida. "Donde hay dolor", escribió, "hay tierra sagrada." Si esta transformación espiritual fue genuina o literaria — y la pregunta ha ocupado a los estudiosos de Wilde por más de un siglo — produjo un documento de genuino poder emocional.

Liberado en mayo de 1897, Wilde cruzó a Francia y nunca regresó a Inglaterra. Se instaló primero en Normandía, luego en París, viviendo bajo el nombre supuesto de Sebastian Melmoth (tomado de la novela gótica Melmoth el errante, escrita por su tío abuelo Charles Maturin). Dependía del apoyo financiero de amigos, en particular Robert Ross y Reggie Turner, y era ampliamente evitado por el mundo respetable — descubrió que la existencia social en París se limitaba a la compañía de artistas y bohemios que no se preocupaban en absoluto por su condena y a unos pocos amigos leales que se negaban a abandonarlo.

La balada de la cárcel de Reading, publicada en febrero de 1898 bajo el seudónimo C.3.3. (la designación de su celda en la prisión), fue su última obra importante. Es un poema narrativo sobre la ejecución de un soldado llamado Charles Thomas Wooldridge que fue ahorcado en la cárcel de Reading por matar a su esposa mientras Wilde era prisionero allí. El poema utiliza el destino de Wooldridge como ocasión para una meditación sobre la culpa, el castigo y la condición humana universal de la falla moral, llegando al célebre estribillo: "cada hombre mata lo que ama." El poema tuvo éxito inmediato y pasó por varias ediciones solo en 1898.

Wilde pasó los últimos tres años de su vida en París con salud en declive, bebiendo en exceso, escribiendo ocasionalmente, entreteniendo a menudo en los cafés que frecuentaba y a veces recibiendo visitantes que venían a ver lo que quedaba de la figura literaria más famosa de la década de 1890. Fue recibido en la Iglesia Católica en su lecho de muerte — su coqueteo de toda la vida con el catolicismo finalmente consumado en el último momento posible. Murió el 30 de noviembre de 1900 en el Hôtel d'Alsace de la Rue des Beaux-Arts, a la edad de cuarenta y seis años. Fue enterrado en París; en 1909 sus restos fueron trasladados al cementerio del Père Lachaise, donde la tumba diseñada por Jacob Epstein se ha convertido en una de las sepulturas más visitadas del mundo.

Legado: la rehabilitación de un genio

La reputación literaria de Oscar Wilde ha seguido un arco notable desde su muerte. En las consecuencias inmediatas de su condena y encarcelamiento, su nombre era apenas pronunciable en la sociedad educada: sus obras de teatro fueron retiradas de los escenarios londinenses a los pocos días de su arresto, sus libros fueron eliminados de las listas de los editores, y una cultura que lo había celebrado durante quince años pretendió, con colectiva mala fe, que nunca había existido.

La rehabilitación comenzó lentamente y nunca se ha detenido. Robert Ross, el amigo más fiel de Wilde y su albacea literario, trabajó sistemáticamente después de la muerte de Wilde para restaurar su reputación y su obra a la imprenta. La publicación de De Profundis — en una versión muy expurgada en 1905, y en su forma completa no hasta 1962 —