Caravaggio

Rastrear la vida y el arte de Caravaggio, el pintor que transformó el arte europeo en el cambio del siglo diecisiete, es seguir una de las carreras más violentas, brillantes y trascendentales en la historia de la pintura occidental. Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió apenas treinta y ocho años, pintó durante menos de dos décadas, no dejó ninguna escuela en el sentido formal ni un solo dibujo atribuido con certeza, y murió como un fugitivo perseguido en un tramo malárico de la costa toscana. Sin embargo, en ese breve y turbulento período cambió la manera en que los seres humanos serían representados en el lienzo durante generaciones. Bajó a los santos y apóstoles de sus cielos dorados y los colocó en las habitaciones oscuras y las calles sucias de la vida ordinaria. Convirtió la luz en un instrumento moral, una hoja que recortaba figuras de la oscuridad y obligaba a los ojos al instante preciso de la revelación, el terror o la gracia. Pintó las plantas de pies sucios, las frentes arrugadas de los trabajadores, las manos callosas de los pescadores, e insistió en que esos eran los rostros a través de los cuales lo sagrado entraba al mundo.

Los contemporáneos de Caravaggio no sabían qué hacer con él. Algunos lo llamaban el mejor pintor de Roma y competían ferozmente por su obra; otros lo acusaban de destruir la pintura en sí misma, de arrastrar un arte noble hacia el arroyo. Era admirado y temido en proporciones casi iguales, y el miedo no era solo estético. Llevaba una espada por las calles de Roma con un permiso especial, se peleaba con camareros, rivales y policías, fue arrestado una y otra vez, y finalmente mató a un hombre, un acto que convirtió al pintor más solicitado de la ciudad en un criminal condenado con precio por su cabeza. Los últimos cuatro años de su vida fueron una desesperada huida por el Mediterráneo sur, de Roma a Nápoles, de Malta a Sicilia y de vuelta a Nápoles, un fugitivo que pintaba obras maestras en las ciudades que lo cobijaban mientras esperaba contra toda esperanza un perdón papal que llegó, si es que llegó, demasiado tarde.

La historia de Michelangelo Merisi da Caravaggio es, por tanto, dos historias entrelazadas en una. Es la historia de una revolución artística, el nacimiento del estilo que las generaciones posteriores llamarían naturalismo barroco, logrado por un hombre cuyas pinturas todavía detienen a los visitantes en las iglesias y galerías de Roma cuatro siglos después. Y es la historia de un temperamento violento, orgulloso e inquieto que no podía ser gobernado, que arruinó la carrera que había construido y que llevó a su dueño al exilio y a una muerte temprana. Las dos historias no pueden separarse, porque la misma intensidad que hacía imposible apartar la vista de sus pinturas también hacía imposible vivir junto al hombre. Quien quiera entender por qué Caravaggio es considerado uno de los pintores más influyentes que jamás hayan existido debe confrontar ambas.

Durante aproximadamente dos siglos y medio después de su muerte, Caravaggio fue casi olvidado, descartado por los críticos como un talento tosco y peligroso, mencionado en las historias del arte principalmente como un ejemplo aleccionador. Fue solo en el siglo veinte, gracias a la paciente erudición del historiador de arte italiano Roberto Longhi y la gran exposición que organizó en Milán en 1951, que Caravaggio fue restituido al primer rango, donde ha permanecido desde entonces. Hoy sus pinturas supervivientes, menos de setenta en total, se encuentran entre las obras más estudiadas y más ferozmente disputadas de todo el canon del arte europeo. Esta es la vida que hay detrás de esas pinturas, narrada desde un año de peste en Lombardía hasta un aviso de muerte en la orilla toscana.

El mundo de Lombardía y la cuestión del nacimiento de Caravaggio

El pintor que el mundo conoce como Caravaggio fue bautizado Michelangelo Merisi, y el nombre por el que se hizo famoso no es un apellido sino un lugar. Caravaggio es una pequeña ciudad de Lombardía, en el norte de Italia, situada en la llanura entre la gran ciudad de Milán y la ciudad más pequeña de Bérgamo. La familia del pintor pertenecía a esa ciudad, tenía propiedades y posición allí, y se convirtió en costumbre, tanto en su propia época como en la posteridad, identificar al artista por el lugar de donde venía su gente. Él mismo se firmaba, cuando se firmaba, simplemente como Michelangelo, y los contemporáneos escribían sobre él como Michelangelo da Caravaggio o Michelangelo Merisi. Para las generaciones posteriores se convirtió, por una especie de taquigrafía universal, simplemente en Caravaggio, el pueblo devorando al hombre.

El lugar exacto donde nació ha sido una de las cuestiones más obstinadamente debatidas de su biografía, y durante siglos se asumió que era la propia ciudad. El asunto quedó resuelto, o tan cerca de estarlo como pueden estarlo tales cuestiones, solo en 2007, cuando investigadores de archivos identificaron un registro bautismal en los registros de la parroquia milanesa de Santo Stefano in Brolo. El documento indica que el futuro pintor fue bautizado en Milán, lo que significa que casi con certeza nació en esa ciudad y no en la ciudad rural cuyo nombre lleva. Los estudiosos sitúan su nacimiento en el otoño de 1571. La fecha más ampliamente aceptada es el veintinueve de septiembre de 1571, la festividad de San Miguel Arcángel, el santo cuyo nombre llevaba el niño, que es precisamente el tipo de detalle que hace probable la fecha sin hacerla cierta. El día exacto de su nacimiento nunca fue registrado; la festividad del santo de su nombre es la mejor inferencia disponible.

Su padre era Fermo Merisi, un hombre de sólida posición artesanal antes que noble. Fermo trabajaba como maestro albañil, y los registros supervivientes lo describen en términos que sugieren algo más cercano a un constructor, decorador o supervisor de arquitecto que a un simple trabajador; era un hombre de habilidad y responsabilidad en el oficio de la construcción. De manera fundamental, estaba al servicio de Francesco Sforza, el Marqués de Caravaggio, el señor local cuyo título provenía de esa misma ciudad. Esta conexión entre la familia Merisi y el marquesado Sforza de Caravaggio resultaría ser mucho más importante para la vida del pintor de lo que nadie podría haber imaginado en su nacimiento, pues vinculaba a su familia con una de las poderosas casas aristocráticas de Lombardía. La Marquesa, Costanza Colonna, que se casó con la familia Sforza, se convertiría más de tres décadas después en la protectora más leal que tuvo el pintor fugitivo.

Su madre era Lucia Aratori, quien provenía de una familia de cierta relevancia local en la ciudad de Caravaggio. El matrimonio de Fermo Merisi y Lucia Aratori unió a dos respetables familias lombardas, ni ricas ni pobres, del tipo de hogares que poseían algo de tierra, ejercían un oficio cualificado y se movían en los márgenes del servicio aristocrático. Michelangelo era el mayor de sus hijos. Tuvo al menos un hermano, Giovan Battista, que más tarde se convertiría en sacerdote, y una hermana, Caterina. La familia pertenecía, en resumen, a la cómoda clase media provincial de la sociedad lombarda, y no había nada en las circunstancias del nacimiento del pintor que sugiriera ni las cimas de la fama ni los abismos de la deshonra que le esperaban. Lombardía en 1571 era una región próspera, populosa e intensamente católica bajo dominio español, y Milán, su capital, era una gran ciudad dominada por la imponente presencia moral de su reformador arzobispo. En ese mundo, en una década ensombrecida por la peste, nació Caravaggio.

Peste y orfandad en la ciudad de Caravaggio

La infancia de Caravaggio fue moldeada, y luego destrozada, por una de las peores catástrofes que azotó el norte de Italia en el siglo dieciséis. En 1576 una devastadora epidemia de peste barrió Milán y el territorio circundante de Lombardía. Es recordada en la historia italiana como la peste de San Carlos, porque el arzobispo de Milán, Carlo Borromeo, ganó fama duradera por el valor con que atendió a los enfermos y organizó el socorro mientras los hombres más ricos huían de la ciudad. La familia Merisi se encontraba entre quienes huyeron. Para escapar del contagio en Milán, Fermo Merisi trasladó a su hogar a la ciudad natal de la familia, Caravaggio, el lugar del que tomaban su nombre y donde vivían los parientes de Lucia Aratori. Debió de parecer un refugio razonable, un lugar más pequeño, familiar, lejos de la capital abarrotada e infectada.

El refugio fracasó. La peste llegó también a la ciudad, y en el otoño de 1577 arrancó el corazón de la familia. En el espacio de un solo día, según indican los registros, Caravaggio perdió tanto a su padre, Fermo, como a su abuelo. Algunas versiones añaden un tío al recuento. El niño tenía seis años. De un solo golpe desapareció la autoridad masculina del hogar, el sostén de la familia, el vínculo con el servicio a los Sforza, la figura que ordinariamente habría guiado a un hijo hacia un oficio y un futuro. Su madre, Lucia, quedó viuda con varios hijos pequeños que criar en una ciudad que todavía se tambaleaba por la muerte masiva. Es imposible saber con precisión qué huellas dejó esta experiencia en el pequeño que sobrevivió, pero no es fantasioso observar que la muerte, repentina, física y cercana, se convertiría más tarde en el tema central de su arte, pintado con una literalidad y una ausencia de consuelo que inquietaba incluso a sus admiradores.

Los años que siguieron están escasamente documentados, como lo están los primeros años de casi todo el mundo en ese siglo. Caravaggio creció en la ciudad de Caravaggio al cuidado de su madre viuda, en un hogar que conservaba propiedades y cierto grado de seguridad pero había perdido a su cabeza. Lucia Aratori administró los asuntos de la familia y la crianza de los hijos durante finales de la década de 1570 y hasta la de 1580. Se mantuvo la conexión familiar con el círculo Colonna y Sforza; la Marquesa Costanza Colonna, ella misma una mujer joven casada en la casa Sforza, conocía a la familia Merisi desde esos años, y el vínculo formado en ese período duraría, asombrosamente, hasta la muerte del pintor. La madre de Caravaggio, Lucia, vivió hasta su temprana madurez; murió hacia 1590, cuando el pintor era un hombre joven de unos diecinueve años y ya estaba entrenado, o casi, en su oficio. Tras su muerte la modesta herencia familiar se dividió entre los hijos supervivientes, y el hijo mayor, sin ninguna razón para permanecer en Lombardía, pronto volvería su mirada hacia Roma.

Antes de eso, sin embargo, llegó el acontecimiento decisivo de su adolescencia: su entrada en el taller de un pintor en activo. En algún momento de los primeros años de la década de 1580, la familia del joven acordó que fuera aprendiz de un maestro en Milán, y el seis de abril de 1584, cuando Caravaggio tenía doce o trece años, se firmó un contrato formal que lo vinculaba como aprendiz por un período de cuatro años. El niño que había quedado huérfano por la peste a los seis años iba ahora a convertirse en pintor. El hombre elegido para formarlo fue Simone Peterzano, y el aprendizaje que comenzó en Milán en 1584 fue el fundamento sobre el que se construiría todo lo demás.

El aprendizaje en Milán bajo Simone Peterzano

Simone Peterzano era un pintor de sólida reputación en Milán, un artista competente y serio que trabajaba en el estilo manierista tardío que prevalecía en Lombardía en la década de 1580. Estaba orgulloso de una conexión por encima de todo: se describía a sí mismo, en sus firmas y en su autopresentación, como alumno de Tiziano, el maestro supremo de la escuela veneciana. Si el joven Peterzano había estudiado realmente durante un tiempo prolongado en el taller veneciano de Tiziano es algo incierto, pero la afirmación importaba, porque lo situaba a él, y por extensión a sus propios alumnos, en una línea de descendencia del mayor colorista de la época. Cuando Caravaggio entró en el estudio de Peterzano bajo el contrato de cuatro años de 1584, entraba en un taller lombardo que sin embargo miraba hacia Venecia, y la herencia veneciana, la riqueza del color, el manejo de la luz y la sombra, la verdad sensual de la carne pintada, fue parte de lo que absorbió.

El aprendizaje de un pintor en la Italia del siglo dieciséis era una formación larga y práctica, más cercana a una educación en un oficio que a cualquier cosa que se parezca a una escuela de arte moderna. Un niño molía pigmentos, preparaba paneles y lienzos, limpiaba pinceles, mezclaba colores y copiaba incansablemente los dibujos y pinturas del maestro hasta que su mano aprendía el oficio. Solo gradualmente se le permitía pintar pasajes de los propios encargos del maestro, primero ropajes, luego fondos, y solo los más dotados podían desarrollar algo parecido a un estilo independiente. Caravaggio cumplió esta formación en Milán durante mediados y finales de la década de 1580. Aprendió las técnicas disciplinadas del fresco y la pintura al óleo, la preparación de fondos, la construcción de composiciones y todo el vocabulario de trabajo de la profesión lombarda.

Lo que el joven Caravaggio extrajo de sus años milaneses fue mucho más allá del estudio de Peterzano. Lombardía poseía una sólida tradición regional de pintura naturalista, una tendencia a observar el mundo ordinario de cerca y a representarlo sin idealizarlo. Los pintores de Lombardía y las regiones vecinas, artistas como Giovanni Girolamo Savoldo, Lorenzo Lotto, Moretto da Brescia y la familia Campi de Cremona, habían cultivado una atención sobria y veraz a la textura, a los materiales humildes, al drama silencioso de la luz cayendo sobre un rostro ordinario. El joven Caravaggio podía ver tal obra en las iglesias y colecciones de Milán y los pueblos circundantes. También podía ver, de manera suprema, a los maestros venecianos cuya influencia llegaba a Lombardía a través de Peterzano y de las colecciones de la región. Y creció bajo la larga sombra moral de la Contrarreforma milanesa, el catolicismo riguroso, disciplinado e intensamente emocional impulsado por Carlo Borromeo, que exigía que el arte religioso conmoviera al creyente ordinario directamente, con claridad y con una fuerza abrumadora. Todos estos hilos, el naturalismo lombardo, el color veneciano, la insistencia contrarreformista en la inmediatez emocional, estaban tejidos en el pintor antes de que pusiera pie en Roma.

El final exacto de su período milanés es difícil de fechar. El contrato de cuatro años de 1584 habría vencido en 1588, pero el rastro documental de la adolescencia y la primera juventud de Caravaggio es escaso y fragmentado. Está claro que a principios de la década de 1590 había abandonado Lombardía. Su madre murió hacia 1590; la propiedad familiar fue repartida entre los herederos en los años inmediatamente siguientes; y Caravaggio, con su parte de la herencia en mano y probablemente ya gastada o casi, emprendió el viaje al sur hacia Roma. Algunas fuentes tempranas insinúan que algún tipo de problema, el primero de los muchos conflictos violentos que marcarían su vida, aceleró su partida de Lombardía, aunque los detalles no pueden confirmarse. Lo que es cierto es que hacia 1592, un joven hombre de poco más de veinte años, plenamente entrenado en el arte de la pintura y portando consigo la profunda herencia lombarda y veneciana de su aprendizaje, Caravaggio llegó a la ciudad que lo haría famoso y casi lo destruiría.

La llegada a Roma y los años de penurias

La Roma a la que Caravaggio llegó hacia 1592 era la capital artística del mundo católico y una ciudad en medio de una gran transformación. Los papas de finales del siglo dieciséis, impulsados por las energías de la Contrarreforma, estaban reconstruyendo Roma a escala monumental: nuevas iglesias, nuevas capillas, nuevas calles, nuevas fuentes, un vasto programa de construcción y decoración que creaba una enorme y continua demanda de pintores. Los peregrinos llegaban a la ciudad en masa; los cardenales y las familias nobles competían por dotar capillas y encargar retablos; las órdenes religiosas, los jesuitas, los oratorianos, los capuchinos, querían imágenes que enseñaran y conmovieran a los fieles. Para un joven pintor ambicioso, Roma era el único lugar indispensable. También era una ciudad abarrotada, cara y ferozmente competitiva, donde cientos de pintores perseguían a los mismos mecenas y donde un recién llegado sin nombre, sin taller y sin amigos poderosos podía morir de hambre.

Caravaggio llegó casi sin nada. Los primeros biógrafos que relataron su vida dentro de una generación de su muerte, Giulio Mancini, quien conocía Roma íntimamente y era médico de un papa, Giovanni Baglione, un pintor colega que se convirtió en su enemigo acérrimo, y Giovan Pietro Bellori, que escribió algo más tarde con la autoridad del principal conocedor de su época, todos coinciden en la pobreza y la oscuridad de sus primeros años romanos, aunque difieren en los detalles. No tenía dinero, ni un lugar fijo donde vivir, ni encargos. Pasaba de un precario arreglo a otro. Según Mancini, se alojó por un tiempo con un Monseñor llamado Pandolfo Pucci, quien le dio alojamiento y techo al joven pintor pero lo alimentaba tan miserablemente, con nada más que ensaladas, que Caravaggio lo recordó para siempre con desprecio y le apodó "Monseñor Ensalada". Trabajó, brevemente y por míseros salarios, en los talleres de pintores menores, produciendo imágenes devocionales baratas y copias por docenas.

Fueron años genuinamente difíciles, y dejaron huella. Caravaggio enfermó gravemente en un momento, posiblemente por la coz de un caballo o por la miseria general de sus circunstancias, y fue atendido en el hospital de Santa María della Consolazione, donde se dice que pintó cuadros para el prior, quien los llevó de regreso a su Sevilla natal y así, quizás, plantó las semillas de la influencia posterior de Caravaggio sobre la pintura española. El joven era delgado, intenso, mal vestido y desconocido, uno de los innumerables talentos hambrientos que la ciudad absorbía y a menudo descartaba. Pero también, incluso en la oscuridad, estaba pintando, y los cuadros que produjo en esos años de escasez ya llevaban la inconfundible firma de una mente original: una fidelidad extraordinaria, casi asombrosa, al mundo visible, una negativa a embellecer, y una manera de mirar las cosas más ordinarias, el rostro de un chico, un trozo de fruta, una copa de vino, como si nunca hubieran sido verdaderamente vistas antes.

Fue durante este difícil período que Caravaggio se vinculó, por un tiempo, a un pintor mucho más establecido y exitoso, y la experiencia de trabajar en ese taller concurrido y de moda le dio tanto un sustento como, fundamentalmente, la materia temática inicial sobre la que se construiría su reputación independiente. El pintor era Giuseppe Cesari, conocido en toda Roma como el Cavaliere d'Arpino, y los meses de Caravaggio en su estudio marcan el momento en que los años de pura penuria comenzaron, lenta y desigualmente, a dar paso a los inicios del reconocimiento.

El taller del Cavaliere d'Arpino

Giuseppe Cesari, el Cavaliere d'Arpino, era a finales del siglo dieciséis uno de los pintores más exitosos y solicitados de Roma. Trabajaba en un refinado y decorativo estilo manierista tardío, gozaba del favor de papas y cardenales, dirigía un taller grande y productivo, y era, en términos mundanos, todo lo que el joven Caravaggio no era. Hacia 1593 o 1594 Caravaggio entró en este taller como trabajador asalariado. No era aprendiz, pues ya era un pintor entrenado de veintitantos años; era un oficial, un empleado, contratado para contribuir al constante flujo de encargos que pasaban por uno de los estudios más ocupados de la ciudad.

El trabajo que se le asignó allí a Caravaggio es uno de los hechos más reveladores de su carrera temprana. El Cavaliere d'Arpino lo puso a pintar flores y frutas. En la división del trabajo de un gran taller, los pasajes de naturaleza muerta especializada, los cuencos de fruta, los racimos de flores, los detalles naturales decorativos que llenaban las esquinas y los primeros planos de composiciones más grandes, a menudo se encomendaban a una mano particular con talento para ello. Caravaggio tenía exactamente ese talento, y los meses que pasó pintando flores y frutas para el Cavaliere d'Arpino le enseñaron, o más bien le permitieron perfeccionar, una habilidad que se convertiría en uno de los fundamentos de su fama. Aprendió a representar el mundo físico, un trozo de fruta con una magulladura en su piel, una hoja comenzando a rizarse y volverse marrón, una gota de agua en un pétalo, con una veracidad tan intensa que el objeto pintado parecía existir en la habitación con el espectador.

Caravaggio dijo más tarde, según una observación conservada por uno de sus primeros biógrafos, que le costaba tanto trabajo y habilidad pintar un buen cuadro de flores como pintar un cuadro de figuras. La afirmación fue en sí misma una pequeña revolución. Sostenía que el tema más humilde, tratado con total seriedad y total destreza, era igual al más grandioso, una idea que iba directamente en contra de toda la jerarquía académica de su época, que situaba la pintura de nobles temas históricos y religiosos muy por encima de la mera imitación de frutas y flores. La convicción que había detrás de esa observación, que la verdad del mundo visible era digna del arte más elevado, ya era la semilla de todo lo que Caravaggio haría.

Su tiempo con el Cavaliere d'Arpino no terminó bien, y la relación parece haberse agriado, como tantas de las relaciones de Caravaggio. Abandonó el taller, posiblemente después de una enfermedad, posiblemente después de una disputa. Pero se llevó consigo el género que lo lanzaría a la fama: la representación cercana, intensa, de medio cuerpo de figuras ordinarias y objetos ordinarios, pintados del modelo vivo con implacable fidelidad. En los años inmediatamente posteriores a su salida del estudio del Cavaliere, trabajando ahora como pintor independiente buscando compradores, Caravaggio produjo la notable serie de cuadros tempranos que hicieron que los romanos más conocedores empezaran a fijarse en un extraño nuevo talento entre ellos.

Las primeras pinturas independientes

Los cuadros que Caravaggio pintó a mediados de la década de 1590, mientras luchaba por establecerse como maestro independiente, son distintos a cualquier otra cosa que se produjera en Roma en esa época, y siguen siendo algunas de las obras más inmediatamente cautivadoras que jamás hizo. Son en su mayoría de tamaño modesto, mostrando en su mayoría a una o pocas figuras de medio cuerpo, cercanas al plano pictórico, brillantemente iluminadas contra fondos sencillos. Sus temas no son los elevados asuntos de la historia religiosa sino muchachos, músicos, adivinas, tahúres y arreglos de frutas, tratados con una directness que era asombrosa entonces y sigue siendo llamativa hoy.

Entre las más tempranas se encuentra el Muchacho con una cesta de frutas, una pintura de un joven sensual y ligeramente desaliñado que ofrece al espectador una canasta colmada de uvas, higos, duraznos y manzanas. La fruta está representada con la precisión que Caravaggio había perfeccionado en el taller del Cavaliere, cada imperfección y cada brillo en su lugar, y el propio muchacho, con los labios entreabiertos y el hombro desnudo, mira con una expresión ambigua e invitadora. Un compañero en espíritu es el llamado Baco enfermo, un autorretrato en el que Caravaggio se pintó a sí mismo, pálido, verdoso, evidentemente enfermo, coronado de hiedra en el papel del dios del vino, sosteniendo un racimo de uvas. Se cree ampliamente que el cuadro data de su recuperación de la enfermedad que lo llevó al hospital, y tiene la extraña e inquietante intimidad de un hombre que estudia su propio rostro disminuido en un espejo.

Otras obras tempranas empujaron el mismo naturalismo hacia la narrativa e incluso hacia la comedia y la amenaza. Los tahúres, pintado hacia 1594, muestra a un joven ingenuo bien vestido absorto en un juego de cartas mientras un cómplice mayor hace señas por encima de su hombro y un segundo tramposo se prepara para sacar una carta escondida de detrás de su espalda. Todo el pequeño drama de la inocencia, el engaño y la codicia está escenificado con una claridad y una agudeza psicológica que nadie en Roma había visto del todo antes. La buenaventura, de la que Caravaggio pintó dos versiones, muestra a una mujer gitana leyendo la palma de la mano de un joven galante, y mirando de cerca, se ve que mientras le sostiene la mano y le mira a los ojos le va quitando suavemente el anillo del dedo. Son cuadros sobre mirar y ser engañado, sobre las superficies del mundo y lo que ocultan, y están pintados con un deleite por los tipos humanos ordinarios, la arrogancia de los jóvenes, la astucia del tramposo experimentado, que era completamente nuevo.

Fue Los tahúres, sobre todo, lo que cambió la fortuna de Caravaggio. El cuadro fue visto, admirado y comprado, y a través de él Caravaggio llegó a la atención del hombre que lo sacaría de la pobreza y la oscuridad para siempre. Un comerciante romano de cuadros, en cuya tienda cercana a la iglesia de San Luigi dei Francesi se exponían para la venta las obras de Caravaggio, puso al joven pintor en conocimiento de un eclesiástico excepcionalmente culto y poderoso, el Cardenal Francesco Maria del Monte. El cardenal compró Los tahúres, quedó cautivado por él, y poco después tomó al propio pintor en su hogar. Los años de cenas de ensalada y salarios de hambre habían terminado. Con el mecenazgo del Cardenal del Monte, Caravaggio entró, por fin, en el mundo de la riqueza, el saber y la influencia en el que su genio podría desplegarse plenamente.

El Cardenal del Monte y el Palazzo Madama

El Cardenal Francesco Maria del Monte era uno de los mecenas de las artes más perspicaces de la Roma de finales del siglo dieciséis. Era toscano, estrechamente ligado a la dinasta gobernante Médicis del Gran Ducado de Toscana, y servía en Roma como una especie de embajador cultural y agente de los intereses de los Médicis. Vivía en el Palazzo Madama, el gran palacio cercano a la iglesia de San Luigi dei Francesi que pertenecía a los Médicis, y a su alrededor se congregaba uno de los círculos intelectuales más animados de la ciudad. Del Monte estaba interesado en la música, en las ciencias, en la alquimia y la filosofía natural; era amigo y mecenas del astrónomo Galileo Galilei; y tenía el ojo del conocedor y la mente abierta para reconocer, en los extraños y poco complacientes cuadros de un joven lombardo desconocido, la llegada de un gran talento.

Desde aproximadamente 1595 o 1596 hasta cerca de 1600, Caravaggio vivió como miembro del hogar del Cardenal del Monte en el Palazzo Madama. Se le proporcionó alojamiento, manutención y una asignación, y a cambio pintó, tanto para el propio cardenal como para los ricos coleccionistas del entorno del cardenal. Esta fue la relación profesional más importante de su carrera temprana. Le dio seguridad, le dio tiempo, y sobre todo lo colocó en el centro de una red de mecenas cultos y poderosos, cardenales, banqueros, marqueses, que encargar